音樂
2025.12.19 (五)
音樂興發現｜後作者時代的音樂產業：當創作成為一場系統工程
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作者：袁永興
當原曲被翻唱、混音、混搭、再被取樣、二創、多創...最後你根本不知道誰是原作者。或是你輸入文字讓AI生成一幅畫，這畫的作者到底是你？是AI？還是訓練資料的所有人？一群粉絲為作品重新製作新的敘事、二次創作比官方宣傳更有影響力，於是「作者」變成粉絲群體，而不是原本的公司。
歡迎來到「後作者時代」。作品的產生不再由單一作者決定，而是由群體、平台、AI、觀眾共同參與的新創作模式。
二十世紀的音樂創作神話，像是從一把吉他，Bob Dylan、Joni Mitchell、Paul Simon 所屬的那個時代，是創作人親手塑造自己聲音與世界觀的年代。邁進2020年代，這樣的模式已經改寫：在 Billboard Hot 100 排行榜上的歌曲，平均每首歌約有4到5位詞曲作者、近3位製作人參與；而在 Bad Bunny 歌曲〈Voy A Llevarte Pa PR〉中，甚至已經高達17人共同署名。這不只是合作變多，而是整個音樂生產鏈條的結構轉變：創作、製作、授權、行銷彼此重疊，形成現代音樂的協作網絡。
如今已從「一人創作」到「多軸共構」。根據2025上半年統計，在 Billboard Hot 100 前10名的38首歌中，共出現122位詞曲作者，平均3.2人完成一首；擴大至整體Hot 100樣本，平均則達4.5人完成一首歌，製作人平均2.73人。對比2021年數據的平均一首4.4人，顯示創作人數雖維持高位，但正趨穩定。市場層級差異也明顯：主流前10名幾乎沒有單人創作，而在流量Top 10000到50000名的長尾市場，單一作者比例則出現上升。資源愈多、製作鏈愈長，合作規模也愈大，主流市場擁有專業A&R與詞曲庫，獨立音樂人則多以小型團隊或單人方式完成。
曲風面向來看，根據 Luminate 在2024年的樣本，Pop流行樂單人創作僅占13%，而 R&B／Hip-hop 曲風則有29%的歌曲標註超過6位作者；拉丁Latin與搖滾樂Rock則較常由單一創作人完成，這源自音樂語彙與傳統差異：Pop延續團隊寫作，Rock強調個人真實，Hip-hop則因取樣與添改頻繁、授權鏈較其他樂種繁多且雜。
詞曲作者人數上升，既是創作方式的演化，也反映了商業邏輯。MIDiA Research 在2025年7月的《Songwriter Survey 2025》指出，全球776位受訪音樂人中，僅28%仍自認是「純詞曲作者」，72%同時兼任製作、行銷、影像企劃等職能。現代創作已是「多角色參與式生產」。創作團隊擴張的文化與經濟邏輯正在演化，AI輔助創作、跨國co-writing營與遠距合作的普及，使地理界線消失。一首流行歌可能同時由洛杉磯、首爾、斯德哥爾摩團隊協作完成，metadata（包括歌曲名稱、ISRC、ISWC、創作者名單與出版資訊等）元資料與權利歸屬管理難度倍增。經濟層面上，主流歌曲的製作預算越高，涉及的作者與製作人越多。投資邏輯是：「多人參與 → 更多靈感 → 更高命中率」。但對出版與版稅部門而言，這意味著 split sheet 詞曲分潤表可能長達十數行。多作者結構直接推高了版權清算的複雜度。隨著詞曲作者數增加、跨出版合作普及，權利分配與結算流程顯著延長。在 Hip-hop 與 EDM 領域，取樣與改編更放大這個問題。每新增一段取樣，就可能引入新的詞曲權利人與出版方，最終形成「合作網絡式」清算。一首歌的 credits 如今更像是迷你版合約地圖。
主流市場的「多作者結構」被視為風險分散與命中率最大化策略；長尾市場則以靈活與個人化取勝。雖然全球出版收入仍集中於主流作品，但各地 CISAC 與 IMPF 報告皆指出，「收入集中化」現象正在緩步鬆動。尤其在亞洲與拉美市場，獨立出版機構的登錄數量呈倍增。
從數據看，「更多人」並非意味「更稀薄」。流行音樂正邁向類似影視製作的多角色共創時代：詞曲作者、製作人、工程師、AI模型訓練師與授權法務共同構成新型「創意共同體」。對A&R與產業策略而言，理解曲風差異、團隊規模與分潤結構的關聯，已是評估藝人潛力的關鍵，所謂的合作正重新定義「原創」，它不是削弱個體，而是擴張邊界，協作亦非稀釋，而是新語法。
未來三至五年，音樂創作將可能進一步出現「協作規模化+權利模組化」兩大趨勢。首先，AI生成與遠距創作的普及，會使metadata管理平台（如 The MLC、Songtrust、Utopia Music）成為產業基礎設施。這些平台透過區塊鏈或智慧合約自動分潤，將使「多人創作」的權利結算更即時。其次，曲風融合將持續推高「跨域創作」比例。流行與R&B、拉丁與EDM的界線模糊，將帶來更多取樣與再授權案例，也促使出版商與DSP投入AI清權與智能比對工具。最後，獨立音樂人雖仍以小規模創作為主，但他們將受惠於開放式collab平台與自動版權工具，進一步縮短與主流產業間的技術落差。這意味未來的音樂作品將更像一個「微型企業」：有創意、有數據、有法律結構。當「一首歌要幾個人寫」不再只是數字，而成為產業新語法，音樂創作也就走向進入了後作者時代（Post-Author Era）。一首流行歌可能有5位詞曲作者、3位製作人、1個取樣權人，有時還包含AI生成旋律或演算法推薦和弦進行；平台資料（metadata 元資料）則負責追蹤誰應得多少報酬。這樣的作品其實是「共創成果」，不再屬於單一作者。這就是「後作者時代」的具體樣貌。我們其實正見證著「創作」定義本身的重構。未來，音樂不再只是藝人的情感輸出，而是一場跨領域的協作實驗：AI提供靈感、資料科學分析情緒曲線、製作人整合聲響語彙、詞曲作者成為敘事架構師。
對產業而言，這意味著版權體系從靜態的著作權名單，走向可動態追蹤的權益鏈（Rights Chain）。隨著生成式AI與智慧合約的成熟，創作將更加去中心化，歌曲可能來自社群集體、由演算法重組、再由人工選編。在這樣的格局裡，創作者的價值不再只以署名衡量，而在於能否連結他人、整合技術、保持真實的聲音。音樂產業下一階段的競爭，不再只是創意的比拼，而是體系的整合。當創作、數據、技術與權利網絡彼此交織，音樂公司與創作者需要重新定義「合作」：從一次性的共寫，轉向長期的智慧共創生態。誰能建立跨領域、跨地域的創意供應鏈，誰就能在後作者時代中掌握節奏。
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後作者時代的音樂產業：當創作成為一場系統工程
當原曲被翻唱、混音、混搭、再被取樣、二創、多創...最後你根本不知道誰是原作者。或是你輸入文字讓AI生成一幅畫，這畫的作者到底是你？是AI？還是訓練資料的所有人？一群粉絲為作品重新製作新的敘事、二次創作比官方宣傳更有影響力，於是「作者」變成粉絲群體，而不是原本的公司。
歡迎來到「後作者時代」。作品的產生不再由單一作者決定，而是由群體、平台、AI、觀眾共同參與的新創作模式。
二十世紀的音樂創作神話，像是從一把吉他，Bob Dylan、Joni Mitchell、Paul Simon 所屬的那個時代，是創作人親手塑造自己聲音與世界觀的年代。邁進2020年代，這樣的模式已經改寫：在 Billboard Hot 100 排行榜上的歌曲，平均每首歌約有4到5位詞曲作者、近3位製作人參與；而在 Bad Bunny 歌曲〈Voy A Llevarte Pa PR〉中，甚至已經高達17人共同署名。這不只是合作變多，而是整個音樂生產鏈條的結構轉變：創作、製作、授權、行銷彼此重疊，形成現代音樂的協作網絡。
如今已從「一人創作」到「多軸共構」。根據2025上半年統計，在 Billboard Hot 100 前10名的38首歌中，共出現122位詞曲作者，平均3.2人完成一首；擴大至整體Hot 100樣本，平均則達4.5人完成一首歌，製作人平均2.73人。對比2021年數據的平均一首4.4人，顯示創作人數雖維持高位，但正趨穩定。市場層級差異也明顯：主流前10名幾乎沒有單人創作，而在流量Top 10000到50000名的長尾市場，單一作者比例則出現上升。資源愈多、製作鏈愈長，合作規模也愈大，主流市場擁有專業A&R與詞曲庫，獨立音樂人則多以小型團隊或單人方式完成。
曲風面向來看，根據 Luminate 在2024年的樣本，Pop流行樂單人創作僅占13%，而 R&B／Hip-hop 曲風則有29%的歌曲標註超過6位作者；拉丁Latin與搖滾樂Rock則較常由單一創作人完成，這源自音樂語彙與傳統差異：Pop延續團隊寫作，Rock強調個人真實，Hip-hop則因取樣與添改頻繁、授權鏈較其他樂種繁多且雜。
詞曲作者人數上升，既是創作方式的演化，也反映了商業邏輯。MIDiA Research 在2025年7月的《Songwriter Survey 2025》指出，全球776位受訪音樂人中，僅28%仍自認是「純詞曲作者」，72%同時兼任製作、行銷、影像企劃等職能。現代創作已是「多角色參與式生產」。創作團隊擴張的文化與經濟邏輯正在演化，AI輔助創作、跨國co-writing營與遠距合作的普及，使地理界線消失。一首流行歌可能同時由洛杉磯、首爾、斯德哥爾摩團隊協作完成，metadata（包括歌曲名稱、ISRC、ISWC、創作者名單與出版資訊等）元資料與權利歸屬管理難度倍增。經濟層面上，主流歌曲的製作預算越高，涉及的作者與製作人越多。投資邏輯是：「多人參與 → 更多靈感 → 更高命中率」。但對出版與版稅部門而言，這意味著 split sheet 詞曲分潤表可能長達十數行。多作者結構直接推高了版權清算的複雜度。隨著詞曲作者數增加、跨出版合作普及，權利分配與結算流程顯著延長。在 Hip-hop 與 EDM 領域，取樣與改編更放大這個問題。每新增一段取樣，就可能引入新的詞曲權利人與出版方，最終形成「合作網絡式」清算。一首歌的 credits 如今更像是迷你版合約地圖。
主流市場的「多作者結構」被視為風險分散與命中率最大化策略；長尾市場則以靈活與個人化取勝。雖然全球出版收入仍集中於主流作品，但各地 CISAC 與 IMPF 報告皆指出，「收入集中化」現象正在緩步鬆動。尤其在亞洲與拉美市場，獨立出版機構的登錄數量呈倍增。
從數據看，「更多人」並非意味「更稀薄」。流行音樂正邁向類似影視製作的多角色共創時代：詞曲作者、製作人、工程師、AI模型訓練師與授權法務共同構成新型「創意共同體」。對A&R與產業策略而言，理解曲風差異、團隊規模與分潤結構的關聯，已是評估藝人潛力的關鍵，所謂的合作正重新定義「原創」，它不是削弱個體，而是擴張邊界，協作亦非稀釋，而是新語法。
未來三至五年，音樂創作將可能進一步出現「協作規模化+權利模組化」兩大趨勢。首先，AI生成與遠距創作的普及，會使metadata管理平台（如 The MLC、Songtrust、Utopia Music）成為產業基礎設施。這些平台透過區塊鏈或智慧合約自動分潤，將使「多人創作」的權利結算更即時。其次，曲風融合將持續推高「跨域創作」比例。流行與R&B、拉丁與EDM的界線模糊，將帶來更多取樣與再授權案例，也促使出版商與DSP投入AI清權與智能比對工具。最後，獨立音樂人雖仍以小規模創作為主，但他們將受惠於開放式collab平台與自動版權工具，進一步縮短與主流產業間的技術落差。這意味未來的音樂作品將更像一個「微型企業」：有創意、有數據、有法律結構。當「一首歌要幾個人寫」不再只是數字，而成為產業新語法，音樂創作也就走向進入了後作者時代（Post-Author Era）。一首流行歌可能有5位詞曲作者、3位製作人、1個取樣權人，有時還包含AI生成旋律或演算法推薦和弦進行；平台資料（metadata 元資料）則負責追蹤誰應得多少報酬。這樣的作品其實是「共創成果」，不再屬於單一作者。這就是「後作者時代」的具體樣貌。我們其實正見證著「創作」定義本身的重構。未來，音樂不再只是藝人的情感輸出，而是一場跨領域的協作實驗：AI提供靈感、資料科學分析情緒曲線、製作人整合聲響語彙、詞曲作者成為敘事架構師。
對產業而言，這意味著版權體系從靜態的著作權名單，走向可動態追蹤的權益鏈（Rights Chain）。隨著生成式AI與智慧合約的成熟，創作將更加去中心化，歌曲可能來自社群集體、由演算法重組、再由人工選編。在這樣的格局裡，創作者的價值不再只以署名衡量，而在於能否連結他人、整合技術、保持真實的聲音。音樂產業下一階段的競爭，不再只是創意的比拼，而是體系的整合。當創作、數據、技術與權利網絡彼此交織，音樂公司與創作者需要重新定義「合作」：從一次性的共寫，轉向長期的智慧共創生態。誰能建立跨領域、跨地域的創意供應鏈，誰就能在後作者時代中掌握節奏。
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